¡Feliz 2008!

A todos los lectores del blog, y a los que no lo son también, que leches, os deseo muy feliz salida de 2007 y aún mejor entrada de 2008. Que lo mejor de este año sea lo peor del que está a punto de entrar:



¡FELIZ AÑO NUEVO!

Reminiscencias de la Reconquista

Veinticinco de diciembre, fun fun fun. En un día como hoy casi es de obligado cumplimiento poner algo en el blog aunque sea como mera excusa para felicitar las fiestas a todos los lectores de este rinconcito. Podría haber subido a alguna figura de la lírica cantando villancicos, pero me parece que es una cosa tan vista que he decidido tirarme por algo totalmente distinto, algo que de alguna manera tenga que ver con mi persona. Y dejando momentáneamente de lado el leitmotiv que gobierna continuamente este blog, he decidido ofreceros una pieza instrumental de un autor contemporáneo. ¿Y qué hace este muchacho, operístico, belcantista y rossiniano él, ofreciendo algo instrumental y encima de nuestra época? Si avanzais en la entrada encontrareis la respuesta.

Como ya sabeis, servidor reside en la ciudad malagueña de Antequera, cuya Reconquista a los musulmanes, allá por 1410 a manos del Infante Don Fernando (futuro Fernando I "El de Antequera") caló considerablemente tanto en la sociedad del momento como en las manifestaciones artísticas posteriores, ya fueran obras pictóricas, crónicas, romances o composiciones musicales (por si os interesa profundizar un poco más sobre el tema, os remito a esta entrada). Pues bien, tras la Reconquista de la ciudad, los musulmanes residentes en la misma se vieron obligados a emigrar, fundando en las ciudades de Granada y Toledo sendos barrios con el nombre de "La Antequeruela", en recuerdo de la ciudad que un día fue su patria, barrios que a fecha de hoy aún perduran.

Pues bien, el compositor turolense Antón García Abril compuso durante la pasada década un concierto para piano y orquesta de cuerda titulado Nocturnos de la Antequeruela, obra que dedicaría a Manuel de Falla en el 50º aniversario de su muerte. Y antes de hablar sobre la obra en sí, no estaría de más realizar una breve semblanza artística de nuestro protagonista de hoy. Y es que García Abril, nacido un 19 de mayo de 1933, tiene a sus espaldas óperas, obras para orquesta, cantatas, conciertos, ( violín, piano, guitarra, violonchelo, flauta, dos pianos, dos guitarras) y música de cámara. En marzo del 1982 fue elegido miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, en mayo del 1995 correspondiente de la Academia de Nobles y Bellas Artes de San Luis de Zaragoza, nombrándole en enero del 2003, por unanimidad, Académico de Honor de dicha Academia, en 1997 correspondiente de la Academia de Bellas Artes Nuestra Señora de las Angustias de Granada, en 2000 de la Academia Nacional de las Bellas Artes de la República Argentina y en 2001 correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla.

La composición que hoy ocupa la entrada del blog fue estrenada en 1996 en el Auditorio de Galicia, con Guillermo González al piano y la Orquesta Filarmónica de Santiago comandada por Máximo Zumalave en 1996. Según su autor, aspira a ser una descripción poética del encantamiento ante el éxtasis contemplativo de la noche y ante la fascinación magnética del sonoro silencio del firmamento, máxima inspiración de perfección. El compositor se inspira en versos de nuestro cancionero, tales como "Al alba venid, amigo" y de los poetas Rafael Alberti y Ángel González para dar forma a la poética musical de esta composición de estos nocturnos, en los que ha querido evocar el poético misterio de las constelaciones más lejanas de Andalucía. La obra si divide en Introducción, Camino de la noche, Nocturno I, Constelación I, Nocturno II, La plenitud del silencio, Constelación II, Soledad y Caminos de la luz. En total, 30 minutos de dulce y a la par reflexiva música.

La interpretación que os ofrezco corre a cargo de Gustavo Díaz Jerez al piano y de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria dirigida por Gunther Herbig. Interpretación en concierto celebrado en el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria el 24de noviembre de 2006. El sonido es muy bueno. Aqui teneis el enlace:

Nocturnos de la Antequeruela

Puede que no sea una audición típicamente navideña, pero permitidme que con estos "Nocturnos de la Antequeruela" aproveche para desearos a todos muy Feliz Navidad y que lo mejor del 2007 sea lo peor que os ocurra a lo largo del ya inminente 2008.

¡Hasta la próxima!

Tancredi en el Real

Durante este mes de diciembre se está representando en el Teatro Real de Madrid una obra que a los veintiún años catapultó a la fama a un joven compositor italiano. Ese compositor era Gioachino Rossini. La obra en cuestión: Tancredi.

Tuvo alguien la feliz idea de representar las dos versiones más conocidas de la obra -Venecia y Ferrara- con todas sus variaciones correspondientes y no ciñiéndose tan sólo al final -feliz vs trágico-. Y para mayor lucidez la idea se vio rematada con rodear tanto a una versión como otra de un reparto competente en materia rossiniana -Barcellona, Ciofi y Sledge vs Podles, Cantarero y Zapata-. Todo ello hacen que estas funciones del Tancredi en el Real hayan conseguido un nivel de interés entre los aficionados al Belcanto en general y a Rossini en particular.

Pues bueno, el que firma esta entrada ha tenido la oportunidad de asistir a las funciones de ambas versiones, pero como la protagonista de la grabación de hoy va a ser la versión Ferrara me centraré exclusivamente en la misma. Antes de continuar, os voy a remitir a esta entrada para todo lo referente a argumentos, autopréstamos, versiones y demás familia, no sin antes mostrar mi deseo particular que algún día podamos ver sobre un escenario la tan curiosa versión milanesa, con todos los cambios que ésta implica.

La grabación que os ofrezco corresponde a la función del día 18 de este mes, emitida en directo por Radio Clásica.




El reparto completo es el siguiente:

Tancredi: Ewa Podles
Amenaide: Mariola Cantarero
Argirio: José Manuel Zapata
Orbazzano: Giovanni Battista Parodi
Isaura: Marina Rodríguez-Cusi
Roggiero: Marisa Martins

Orquesta Sinfónica de Madrid
Coro del Teatro Real de Madrid · Riccardo Frizza

Estamos ante una función increiblemente cohesionada en sus voces principales. Ewa Podles es la única contralto auténtica que existe, la única que nos puede dar un Tancredi realmente "contráltico", valga el palabro que me acabo de inventar. Ello se traduce en una extensión inusitada, unos graves rotundos y una capacidad estilística asombrosa. Es un Tancredi de referencia y de impecable presencia escénica, comprobado en vivo y en directo por un servidor. Para dejarse las manos aplaudiendo. Mariola Cantarero es una delicia de Amenaide. Perfecta a nivel vocal e interpretativo, empasta exquisitamente con Podles en los dúos. Da toda una lección dramática, sin conocer el significado del término "frialdad". Se echa de menos un poco más de "pirotecnia" en su segunda aria del acto II, pero lo compensa su desempeño a lo largo de toda la partitura. José Manuel Zapata luce un despampanante Argirio, otorgando -¡por fin!- una ambivalencia dramática al aria de Argirio "Pensa chi sei mia figlia", tan propensa por parte de otros tenores a ser simplemente cantada pero no interpretada. Es una pena que la versión Ferrara omita la gran escena "Ah, segnar invan io tento" del acto II: Zapata podría haber tenido otra oportunidad de lucimiento. Y es que estamos ante un tenor rossiniano al cien por cien (y encima, de bellísimo timbre). Rossini debe estar muy contento por tenerle entre su legión tenorística. Giovanni Battista Parodi por su parte resulta bastante rudo y tosco como Orbazzano y no termina de convencer. Marina Rodríguez-Cusí cantó una buena Isaura en esta función (mejor que la que yo le escuché en la función del día 9). Bien Marisa Martins como Roggiero. Y muy bien Riccardo Frizza al frente de las formaciones del Real.

Además de la ópera os voy a dejar también las entrevistas que José Luis Pérez de Arteaga realizó a Riccardo Frizza, Mariola Cantarero y José Manuel Zapata. No es por ponerme tiquismiquis, pero llama la atención que un locutor de Radio Clásica se entere en vivo y en directo de que Zapata cantará en quince días Almaviva en Nueva York, que Mariola Cantarero NO debuta Amenaide en el Real o que la ópera de Manuel García "Il califfo di Bagdad" va a salir próximamente en CD. ¿No se supone que por ser su trabajo debería estar al tanto? Dejo la pregunta en el aire.

Pues lo dicho, que aqui van los enlaces. La grabación tiene buen sonido y va editada y fragmentada en pistas, como de costumbre:

CD1
CD2

Entrevistas

Muy disfrutable función, vive Dios.

Trío de hecho

Durante estos once meses de blog siempre he ofrecido obras completas pero nunca me he centrado en ningún intérprete en particular. Pues bien, para cubrir el hueco de los recitales en La Gazzetta, hoy os voy a ofrecer un extraordinario concierto a cargo de tres grandes del mundo de la lírica: Marilyn Horne y Joan Sutherland dirigidos por él marido siamés de esta última, Richard Bonynge. Misión (casi) imposible ver a Sutherland y Bonynge por separado: donde va una (casi) siempre va el otro.

Bueno, vamos a echarle un vistazo rápido a estas dos voces del mundo lírico. Marilyn Horne nació en Bradford, Pennsylvania, en 1934. Estudió con William Vennard y Lotte Lehmann antes de hacer su debut operístico como Háta en La Novia Vendida, en Los Ángeles. Su histórica Adalgisa, junto a la Norma de Joan Sutherland, la llevó al Metropolitan de Nueva York, donde también ha representado a otros personajes importantes. En 1957 emprendió la carrera teatral en la ciudad alemana de Gelsenkirchen. En esta fue contratada por tres temporadas, durante las cuales cantó, entre otras obras, La Fanciulla del West y Wozzeck, ópera que supuso su debut en la Opera de San Francisco (1960) y en el Covent Garden (1964). De excepcional predisposición técnica y estilista para el repertorio rossiniano, es junto con la Sutherland, la más autorizada depositaria de los secretos del bel canto, que se evidencian no sólo en la flexibilidad de la vocalización y en la precisión y ductilidad de las florituras y los ornamentos, sino también en la posesión de un mordiente y arrebato típicos del canto "di bravura", apoyado en un excepcional sentido del estilo y en una gran musicalidad (cortesía de epdlp.com)

Joan Sutherland nació en Sidney en 1926. Estudió con John y Aida Dickens en Sidney hasta 1950. En 1950 gana el Mobil Quest y sigue su formación en Londres con Clive Carey. Su carrera cambió drásticamente cuando conoció al pianista Richard Bonynge, con quien se casó el 16 de octubre de 1954. Él estaba convencido de que Joan tenía una voz adecuada para ser soprano de bel canto y le ayudó a desarrollar esta capacidad. Su debut operístico tuvo lugar en el Covent Garden en 1952 como Primera Dama en La Flauta Mágica. Esta presentación fue seguida por una interpretación de Clotilde en Norma de Bellini con María Callas en el rol titular. En los años posteriores cantó roles secundarios en La Walkiria y en Elektra, así como en 1955 participó en el estreno mundial de Midsummer Marriage de Tippet y en el estreno inglés de El Diálogo de las Carmelitas de Poulenc. Pronto el Covent Garden se dio cuenta de su potencial como soprano bel cantista y le encomendó roles en Emilia de Liverpool de Donizetti y Alcina de Haendel. El 17 de febrero de 1959 Joan Sutherland saltó a la fama tras realizar su primera versión de Lucia di Lammermoor. Según su carrera iba en ascenso, Joan debutaba en obras que luego serían lo más famoso de su repertorio: Elvira en Los Puritanos (24 de mayo de 1960) y Norma (17 de octubre de 1963). En la última compartió escena con la igualmente legendaria mezzosoprano Marilyn Horne. Rápidamente fue considerada la principal soprano dramática de coloratura de la época y debutó exitosamente en Italia, Francia, Estados Unidos y Austria abordando el repertorio Rossini-Bellini-Donizetti. Tras su debut italiano en La Fenice en 1960 fue conocida como La Stupenda. En los años posteriores apareció en La Hija del Regimiento (2 de junio de 1966), Rosalinda en El Murciélago (8 de septiembre de 1973) y Anna Glavari en La Viuda Alegre (22 de abril de 1976). También logra fama por sus roles en obras de Haendel y el constante rescate de óperas olvidadas, las que también lleva al disco junto a su marido el director Richard Bonynge. Obras que renacen en sus versiones son Beatrice di Tenda, Rodelinda, Esclarmonde, Le Roi de Lahore e I Masnadieri. Otro hito en su carrera fue la interpretación de los cuatro roles de soprano en una versión de Los Cuentos de Hoffmann realizada en el Sidney Opera House. En 1979 fue nombrada Dame y en 1990 se retiró de la ópera después de casi cuatro décadas de carrera. Su última actuación en una ópera completa fue durante una versión de Los Hugonotes montada en la Opera de Sidney en octubre de ese año. Su despedida final fue en la Escena de la Fiesta del acto segundo de El Murciélago en la gala de Año Nuevo 1990-91 en el Covent Garden. El 6 de mayo de 1998 fue declarado el Día de Dame Joan Sutherland en la ciudad de Nueva York por el alcalde Rudolph Giuliani (cortesía de radiobeethovenfm.cl).

El recital que os ofrezco se celebró el 12 de junio de 1985 en Sidney, con la Elizabethan Sidney Orchestra bajo las órdenes del ya mencionado Bonynge, competente él como siempre. Vais a escuchar a una Marilyn Horne esplendorosa vocalmente, como era costumbre en ella. Joan Sutherland acusa ya un marcado desgaste vocal, pero quien tuvo retuvo. El programa del recital es el siguiente:

01. Händel – Semele "Iris, hence away"
02. Händel – Alcina "Tornami a vaneghiar"
03. Rossini – La donna del lago "Mura felice"
04. Rossini – La cambiale di matrimonio "Vorrei spiegarvi"
05. Rossini – Semiramide "Serbami ognor si fido il cor"
06. Delibes – Lakmé "Viens, Malika, les lianes en fleurs"
07. Offenbach – Les contes d´Hoffmann "Les oiseaux dans la charmielle"
08. Saint-Saëns – Samson et Dalila "Mon coeur s´ouvre a ta voix"
09. Auber – Fra Diavolo "Non temete Milord"
10. Meyerbeer – Les Huguenots "Non, vois n'aurez jamais le gage"
11. Bellini – Norma "Mira, o Norma"
12. Offenbach – Les contes d´Hoffmann "Belle nuit"

En definitiva, un concierto de lo más disfrutable. Aqui os dejo el enlace a la grabación, fragmentada y de buen sonido:

CD único

¡A disfrutarlo!

Rossini bíblico

Entre los numerosas fuentes literarias a las que los libretistas echaban mano para la elaboración de los libretos de las futuras óperas que posteriormente tendría que componer el músico en cuestión se encontraba el libro de los libros: la Biblia. Cientos de historias de carácter bíblico que, siendo más o menos fiel al original, podían ser la base de un buen libreto. La obra protagonista del día se basa en la celebérrima huída de Egipto de Moisès. El título: Mosè in Egitto. Su compositor: Gioachino Rossini.

"Mosè in Egitto" es una de las obras que pueden encuadrarse dentro del grupo que bien podría llamarse de las óperas napolitanas. Su libreto es obra de Andrea Leone Tottola, siendo esta la primera colaboración con el compositor de Pesaro (luego llegarían "Ermione", "La donna del lago" y Zelmira"). Tottola adoptaría como fuente literaria el drama "L´Osiride", de Ringhieri (que a su vez se basaría en el oríginal bíblico). Rossini estrenó la obra en el napolitano Teatro San Carlo el 5 de marzo de 1818. El resultado del estreno: un fracaso propiciado por la patética puesta en escena, rematado por el absurdo montaje de la escena final (el paso del Mar Rojo). Musicalmente la obra goza de momentos de gran intensidad dramática combinados con otros de relativa calma que será el preludio a escenas de considerable envergadura argumental. Sirva por ejemplo la pacífica plegaria "Dal tuo stellato soglio", que precede a la intensísima, monumental, emocionante escena del paso del Mar Rojo.

Vamos a pasar al argumento de la obra, donde no puede faltar la correspondiente parejita y sus historias de amor. Acto I. Palacio real de Egipto. Allí encontramos a Faraone, Amaltea, Osiride y al pueblo egipcio. Todos ellos se lamentan porque Mosè, ante la negativa de Faraone de dejar marchar a su pueblo, ha sumergido a Egipto en la más profunda oscuridad (Coro: Ah, chi n´aita). Esta situación se ya se ha dilatado durante demasiado tiempo, así que el rey requiere la presencia de Mosè, que llega acompañado de Aronne. Faraone concederá la libertad al hebreo y su pueblo a cambio de que devuelva la luz a su país. Mosè acepta el trato, así que eleva una plegaria a Dios (Invocación: Eterno! Inmenso!). Milagrosamente la luz vuelve en cuanto Mosè termina su oración, ante la sorpresa e incredulidad de los egipcios, que comentan estupefactos el milagro. Mosè ha cumplido su parte del trato: ahora le toca a Faraone cumplir la suya (Quinteto: Celeste man placata).

Se marchan todos y se queda solo Osiride. En ese momento aparece Elcìa, una joven hebrea. Ambos mantienen un amor secreto, pero Elcía tiene el corazón partido en dos: por una parte no desea marchar porque ama a Osiride pero por otra quiere a Mosè y a su pueblo y si no marcha con ellos no se podrá considerar hebrea. La pobre muchacha debe ser fuerte y despedirse de su enamorado a pesar de la insistencia de éste en dejarla (Dúo: Ah, si puoi così lasciarmi).

Osiride está dispuesto a impedir la partida de Mosè y su pueblo, y por tanto, la de Elcía y espeta a su padre, con muy mala intención, que dejar marchar a Mosè es muestra de debilidad. Faraone que no está dispuesto a que su honor quede mancillado, decide ir tras Mosè y los hebreos y traerlos de nuevo a Egipto, para disgusto de Amaltea, que sí desea la marcha de éstos (Aria: Cade dal ciglio il velo).

En la siguiente escena vemos a Mosè y su pueblo haciendo un descanso antes de salir de Egipto. Unos cantan, otros bailan... reina la felicidad (Coro: All´etra, al ciel). Pero Faraone y Osiride llegan al lugar con sus tropas echando a perder la fiesta. El rey ordena a Mosè que regrese y éste se encoleriza e invoca de nuevo a Dios, azotando a Egipto con una lluvia de bolas de fuego, culminando así el acto I (Final: Alla idea di tanto ecceso).

Acto II. Faraone, ante la lluvia de bolas de fuego, no ha tenido más remedio que volver a dejar en libertad a Mosè y los suyos. Osiride entra abatido y deprimido. Faraone nota la tristeza de su hijo y le pregunta el motivo de sus preocupaciones, pero el príncipe no le cuenta a su padre absolutamente nada de su amor con Elcía lo que hace que Faraone se preocupe aún más ( Dúo: Parlar, spiegar non posso).

En otra dependencia encontramos a Amaltea sola. Mosè, antes de partir, le hace una breve visita para agradecerle todo su apoyo. La reina se alegra por la marcha de Mosè y su pueblo y anhela que por fin desaparezcan las desdichas de Egipto (Aria: La pace mia smarrita).

Ahora nos trasladamos a otra estancia, a la que llega Elcía conducida por Osiride. Éste le va a hacer una embarazosa proposición: deben quedarse allí escondidos hasta que Mosè y su pueblo se marchen. Una vez que hayan partido, ellos dos podrán seguir unidos. En principio Elcía se muestra vacilante pero al final acaba aceptando (Dúo: Quale assalto, qual cimento). Sin embargo sus planes quedan truncados ya que Amaltea (que iba buscando a su hijo) y Aronne (que iba buscando a Elcìa) descubren a los jóvenes abrazados. El amor de la pareja se descubre y ambos quedan muy sorprendidos. Naturalmente esa unión no puede ser para nada posible, así que son separados de inmediato (Cuarteto: Mi manca la voce).

Debido a este infortunio, Mosè y su pueblo son de nuevo apresados y Faraone se regocija ante el hebreo diciéndole que no piensa dejarlos marchar bajo ningún concepto. Mosè le responde que se ande con cuidado, ya que las tornas pueden cambiar... (Aria: Tu de ceppi m´agravvi la mano).

Justo en ese momento entran los sacerdotes egipcios, que se mofan de Mosè y de los hebreos (Coro: Se a mitigar tue cure). Mosè pide por las buenas a Faraone que les deje marchar, pero la negativa de Faraone es tajante. Por tanto, el líder hebreo vuelve a pedir ayuda a Dios y éste, mediante un rayo exterminador, fulmina a Osiride ante la vista de todos. Sus padres quedan totalmente aturdidos, el resto de los allí presentes no pueden creer lo que han visto y Elcìa entra en pleno estado de shock, finalizando de esta forma el acto II (Aria: Porgi la destra amata).

Acto III: Faraone, aturdido por todo lo ocurrido, ha dejado de nuevo marchar a los hebreos. Nos encontramos a las orillas del Mar Rojo. Antes de partir, todos entonan una plegaria (Plegaria: Dal tuo stellato soglio).

Culminan el rezo y en la lejanía se escucha un rumor. Se trata de las tropas egipcias, capitaneadas por Mambre y el propio Faraone, que van en busca de Mosè y los suyos. No están dispuestos a que los hebreos y su líder marchen victoriosos después de todas las penurias que han causado en Egipto, así que van en su busca. El pueblo se alarma, pero Mosè les pide que confíen en Dios, levanta su báculo, y ante el estupor de los hebreos las aguas del Mar Rojo se abren. Todos comienzan a cruzarlo.

Faraone, Mambre y sus tropas llegan a tiempo para presenciar el milagro. Ante tal visión, el rey queda totalmente sorprendido. Mambre le pregunta si se va a dejar amilanar, a lo que Faraone responde negativamente, comenzando así la persecución. A medida que los hebreos van llegando a la otra orilla las aguas se van cerrando, engullendo a los egipcios: la fuga ha sido un completo éxito. Tras dar gracias a Dios, emprenden sus cuarenta años de camino por el desierto (Final: Son fuggitti, oh ciel, che miro!).

Y tras las explicaciones, vámonos con la grabación, encabezada por nombres rossinianos al cien por cien. Se trata de un directo de 1994 procedente de Londres. A continuación, la ficha de reparto:

Mosè: Ruggero Raimondi
Faraone: Simone Alaimo
Elcia: Anna Caterina Antonacci
Osiride: Bruce Ford
Amaltea: Jennifer Rhys-Davies
Aronne: Justin Lavender
Amenofi: Patricia Bardon
Mambre: Philip Dohgan

Orchestra and Chorus of the Royal Opera House,
Covent Garden · Paolo Olmi

Mosè y Faraone, enemigos íntimos aqui encarnados por Ruggero Raimondi y Simone Alaimo, que se estimulan mutuamente para dar lo mejor de sí. Serio y seco Mosè el de Raimondi, tal y como debe ser. Omite, ¡ay!, la pequeña pero significativa aria del acto II "Tu di ceppi m´agravvi la mano". La verdad es que se echa en falta. Como contrapartida, ambivalente, indeciso Faraone el de Alaimo. También como debe ser. Vocalmente se nota cierto declive en Raimondi. Alaimo está espléndido. Rossini destinó el papel de los enamorados a Isabel Colbran y a Andrea Nozzari. Anna Caterina Antonacci y Bruce Ford bien pueden considerarse alter ego de sus colegas del XIX (sobre todo la primera). Sopranos Colbran auténtica en nuestra época solamente hay una, y esa es Antonacci. Con eso queda dicho todo (y si no queda todo apuntalaré que lo que pretendo decir es que su Elcia es una gozada). Por su parte, Bruce Ford se encontraba en una época dorada y para nada acusaba el desgaste que acusa hoy día. Jennifer Rhys-Davies sustituía a una indispuesta Ann Murray. Su Amaltea, conciencia de Faraone, es muy disfrutable. Bien Justin Lavender, Patricia Bardon y Philip Dohgan en sus respectivos cometidos (destaquemos la labor del primero). Paolo Olmi saca bastante jugo de las huestes corales y orquestales del londinense Covent Garden (escúchense los números de conjunto).

Y para terminar, aqui os dejo los enlaces. La obra, como siempre, va editada y fragmentada y el sonido es realmente bueno:

CD1
CD2

¡Hasta la próxima!

La dura vida de un farmacéutico

Bueno, tras un fin de semana en Madrid viendo Tancredi por partida doble, se supone que debería estar contando que tal han ido las funciones y ofreciendo la grabación correspondiente, tal y como ocurrió allá por marzo con las funciones de Cavalleria Rusticana y Pagliacci del Real. ¿Pero qué pasa? Pues que hasta la semana que viene no tendré grabación (gratia aeternam a RNE, Radio Clásica). Así que mientras llega el día, vamos a dejar a Rossini descansar unos días y vamos a centrar la atención en uno de sus colegas, Gaetano Donizetti, y concretamente en una obra compuesta en unas circunstancias muy particulares: Il campanello.

Situémonos en Nápoles, allá por 1836. Donizetti se muere de aburrimiento por una epidemia de peste que está asolando la ciudad. Y para matar tanto hastío, al bergamasco no se le ocurre mejor idea que crear una nueva ópera. Y cuando digo crear me refiero tanto a la elaboración del libreto como a la composición de la música. Así es como nace "Il campanello", una ópera buffa en un solo acto que sería estrenada en el Teatro Nuovo de Nápoles el 1 de junio de 1836. Para el libreto, Donizetti adoptaría como fuente literaria la obra "La sonnette de la nuit" de Léon Lévy brunswick, Mathieu-Barthélemy Troin y Victor Lhérie.

Argumentalmente estamos ante una obrita divertidísima. Al levantarse el telón vemos como un coro celebra el transcurso de una boda. Los novios no son otros que el farmacéutico Annibale Pistacchio (un hombre ya entrado en años) y Serafina (bastante más joven que el contrayente). Aunque la diferencia de edad es más que notoria, hay amor en la pareja y ha sido autorizada por la madre de la muchacha, Madama Rosa. Annibale Pistacchio canta feliz y le chorrean babas pensando en la cantidad de Pistachitos que pulularán por Nápoles dentro de poco. La fiesta continúa y se presenta Enrico, antigua pareja de Serafina y ahora tremendamente celoso por su enlace con el farmacéutico. Aprovechando que la muchacha se queda momentáneamente sola intenta cortejarla pero Serafina se encarga de pararle los pies. Viendo que todos regresan, Enrico disimula haciendo un brindis. Posteriormente se retiran todos: Annibale necesita descansar ya que a las cinco de la mañana deberá partir hacia Roma por temas de negocios. Enrico, puesto que no ha podido recuperar a Serafina, decide tomarse venganza particular contra Annibale. Y la venganza escogida no puede ser más adecuada: le hará la noche imposible al pobre farmacéutico. Total, que se marcha para al cabo de poco regresar disfrazado de cantante afónico. Entra a la farmacia pidendo auxilio y un somnoliento Annibale sale a atenderle. Y es que el "cantante" debuta al día siguiente un importante papel y por culpa de una inesperada afonía no podrá hacerlo, por lo que le pide a Annibale alguna pastilla para curarle. Annibale se la despacha y milagrosamente el "cantante" comienza a realizar todo tipo de gorgoritos. Cuando consigue hacer que Annibale se desespere, se marcha, no sin antes agradecerle mil veces el tremendo favor que le ha hecho. Una vez que el "cantante" se ha marchado, Annibale vuelve a la cama. Pero no tarda en regresar Enrico a seguir dándole por ahí. Y es que esta vez llega disfrazado de anciano. Annibale se ve obligado de nuevo a levantarse y el "anciano" le pide que le prepare una receta interminable a base de ingredientes de lo más exóticos. Y es que la mujer de este "anciano" tiene enfermedades para llenar un catálogo. Si la desesperación de Annibale con el cantante era grande, la de ahora es superlativa. Tras conseguir que el "viejo" se marche, Annibale regresa a la cama para descansar un poco... pero...¡oh infortunio!, dan las cinco y Annibale debe prepararse para marcharse. Enrico ha conseguido pues su propósito: lograr darle la noche a Annibale. Para terminar, el farmacéutico coge la diligencia tras conseguir de Serafina el juramento de serle fiel. No obstante Enrico ahora tendrá la oportunidad de volver a cortejarla, finalizando así la operita.

Bueno, pues vamos a pasar a la grabación. Se trata de un directo de 1976 procedente de Bregenz, con un reparto de campanillas como puede verse en la ficha que viene a continuación:

Serafina: Mariella Devia
Don Annibale: Giuseppe Taddei
Enrico: Leo Nucci
Madama Rosa: Biancamaria Casoni
Spiridione: Carlo Gaifa

Bregenz Festival Orchestra & Chorus
Bruno Amaducci

Como salta a la vista, estamos ante un terceto protagonista insuperable. Mariella Devia borda su número más importante, el dúo con Enrico, y se convierte en una referencia de como cantar el papel. Y de libro resultan las interpretaciones de Giuseppe Taddei y Leo Nucci, particularmente divertido este último en los dos dúos como el desgraciado farmacéutico. Biancamaria Casoni y Carlo Gaifa completan adecuadamente el reparto dando vida a sus dos secundarísimos roles (no lo he dicho antes pero Spiridione es el criado de Annibale). De oficio Bruno Amaducci al frente de las huestes orquestales de Bregenz.

Aqui os dejo el enlace a la grabación, de buen sonido y fragmentada en pistas como es costumbre:

CD único

Si no conoceis la obra, a animarse, que os aseguro que no os vais a arrepentir.

El retorno de La Gazzetta

Este es mi primer post en el blog después de casi dos meses. Un ingreso de cuarenta días de un familiar ha tenido la culpa, pero afortunadamente eso ya es agua pasada: a finales de noviembre nos dieron el alta y todo va estupendamente bien. Pero por si acaso, no volveré a publicar un Réquiem en el blog, que la cosa ha resultado ser lagarto lagarto :-p . Para celebrar que las vacaciones hospitalarias forzadas ya han pasado, voy a dedicar esta entrada al eterno protagonista del blog, Gioachino Rossini. Y concretamente a una de las óperas más divertidas del compositor: La pietra del paragone.

Si recordais, hace ya una temporada traía al blog una versión extraordinaria, referencial diría yo, de la obra: la grabación procedente del Festival de Pesaro, con un reparto extraordinario. Sin embargo la versión que os traigo en esta ocasión es interesantísima en su planteamiento musical, ya que adopta un prisma historicista de mano de uno de sus paladines como es Jean-Christophe Spinosi, que comandando el Ensemble Matheus y con la colaboración del Coro del Teatro Regio di Parma logra una lectura muy conseguida, viva, chispeante y hasta la fecha insólita de la partitura rossiniana. Basta con escuchar partes como la obertura, el cuarteto del primer acto o la escena de Clarice del segundo para percatarnos de ello.

Vámonos con la ficha de reparto de estas funciones, procedentes del parisino Theatre du Chatelet y fechada el 18 de enero del presente año:

Marchesa Clarice: Sonia Prina
Conte Asdrubale: François Lis
Cavalier Giocondo: José Manuel Zapata
Pacuvio: Christian Senn
Macrobio: Joan Martin-Royo
Baronessa Aspasia: Jennifer Holloway
Donna Fulvia: Laura Giordano
Fabrizio: Filippo Polinelli

Ensemble Matheus
Coro del Teatro Regio di Parma · Jean-Christophe Spinosi

Sólido reparto que saca de cada uno de los roles la esencia que requieren. Dominan el panorama la representación española presidida por José Manuel Zapata -próximo Argirio en los Tancredis del Teatro Real- y Joan Martin-Royo. Extraordinario el primero en el rol de Giocondo, extravertido y gracioso cuando el papel lo requiere e íntimo y enamorado cuando toca. Escuchar su aria del acto II es toda una delicia para los oídos, un ejemplo de como ser interpretada, con dulzura, delicadeza, interiorizada y sentida en todo momento. Sin duda para dar una gran ovación en el salón de nuestra casa. El segundo nos pinta un versátil Macrobio, nunca sobreactuado, siempre bien cantado. Deberíamos estar satisfechos por contar entre nosotros con voces tan aptas para interpretar la música del Cisne de Pesaro. Sonia Prina nos da una Clarice muy disfrutable, quizás un poco bastante barroca, una visión hasta entonces desconocida de la Marquesa, lo que no significa que no sea una encarnación totalmente válida. Un poco tosco sin embargo el Asdrubale de François Lis (el Asdrubale de otras funciones de la producción fue el genial Michele Pertusi, siendo sustituido en estas funciones parisinas por Lis), pudiendo haber sacado más "chicha" de un rol que por lo general es serio pero tiene episodios cómicos (escúchese el terceto del acto III). Divertido el Pacuvio de Christian Senn y realmente bien los secundarios en voz de la bellísima Laura Giordano, Jennifer Holloway y Filippo Pollinelli. Respecto a director, orquesta y coro, a mis anteriores comentarios me remito.

Aqui os dejo los enlaces. La grabación va como de costumbre editada fragmentada en pistas. El sonido es extraordinario:

CD1
CD2
CD3

En resumen estamos ante un Rossini distinto pero desde mi punto de vista, extraordinario. Recientemente ha salido a la venta un libro-DVD de estas mismas funciones. Un buen regalo para hacerse ahora que llegan las Navidades, ¿verdad?

Pues nada, que encantado de volver a escribir en el blog. Espero no tener que volver a dejarlo aparcado durante tanto tiempo por temas como el que ahora me han obligado a hacerlo. Por muchísimos años.